Ana Pérez

¿Cuáles  son sus estudios?

Estudié filosofía en la Universidad de Valencia y en la Facultad de letras de Aix en Provence cuando todavía era licenciatura y he realizado diversos cursos de formación técnica en fotografía. En julio de este año presento mi TFG (trabajo de fin de grado) y espero graduarme en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia.

¿Cómo llegó Ud. al arte ?

En el último año de estudios de filosofía descubrí la estética con Amparo Zacarés y Carmen Senabre, y la filosofía política de Hannah Arendt con Neus Campillo. Creo que este acercamiento teórico previo define la forma en que me relaciono con y hago arte.

Vivimos en una sociedad poco reflexiva, donde todo ocurre muy deprisa y con un cultura fundamentalmente visual, para la que carecemos de formación. Consumimos mucha imagen, y es a través de la imagen como se construye nuestro mundo, pero no se nos enseña a leer imagen. Digo leer en un sentido amplio en que leer significa también interpretar, reflexionar, cuestionarse.

Por otro lado, en una cultura visual e inmediata, la filosofía se ha ido quedando más y más desconectada, se lee poco en general, pero de filosofía se lee todavía menos. Hoy más que nunca, es necesario el pensamiento crítico, pero un pensamiento crítico capaz de analizar e influir en la sociedad en que vivimos, capaz de producir.

Veo en el arte una posibilidad de volver a conectar pensamiento y acción, un punto de partida para el pensamiento, y también un modo de cuestionar la realidad, así como de crear espacios donde reflexión y acción vuelvan a estar unidas. Porque es tan problemática la acción carente de reflexión como la reflexión pasiva que no conduce a ninguna acción.

¿Cómo relaciona la filosofía con el arte?

Cuando terminé filosofía hice un diploma de especialización en Cultura, Lectura y Literatura para Niños y Jóvenes, y durante el trabajo para el diploma, me di cuenta de la importancia que tenía aprender y enseñar a leer imagen, que la formación en literatura y en filosofía continuaba siendo muy importante, pero que la novela gráfica, el cómic, el cine, el arte… introducían formas de reflexión que podían llegar a provocar un impacto social mucho mayor que un ensayo filosófico. No porque sea más fácil leer un cuadro, o una instalación, o una imagen o una película, sino porque el primer acercamiento es más inmediato. La primera lectura de un ensayo filosófico puede llevar días, la primera lectura de una imagen es instantánea: te toca, o no y si te toca, a partir de ahí puede empezar el debate, la reflexión (que al final llevará el mismo tiempo que la lectura del ensayo filosófico, pero te obliga a otras lecturas y a otras conexiones de un modo muy intuitivo).

Mi trabajo artístico parte habitualmente de una reflexión filosófica, está lleno de referentes a la historia de la filosofía Heidegger, Hannah Arendt, Foucault, Deleuze… Pero el proceso de trabajo tras ese punto de partida está muy conectado con la vida, con lo personal, y con lo político a un mismo tiempo y el resultado obliga a quien contempla la obra a realizar el proceso inverso: mirar la obra implica sentir toda una serie de conexiones que llevan a reflexionar sobre la problemática de la que he partido, pero al contrario de lo que ocurre con un ensayo filosófico (donde hay un camino mucho más marcado), aquí, el lector hace sus propias preguntas, sigue su propio camino. Lo quiera o no, se enfrenta a una obra abierta, donde sus propias experiencias, sus propios conocimientos, sus otras lecturas, le llevarán por caminos tal vez parecidos al mío, tal vez completamente diferentes.

¿Cuál es el medio artístico en el que se encuentra más cómoda? 

Trabajo principalmente con instalación, performance, fotografía y video, aunque creo que cada obra necesita un medio, y es básico hoy en día realizar un trabajo colectivo, crear vías de colaboración y si la obra necesita de por ejemplo, pongamos, un trabajo de pintura al óleo que es una técnica que no domino en absoluto, trabajar con otros artistas que sí lo hagan, si se requieren conocimientos legales, trabajar con un equipo de abogados, etc.

La exposición que presentó en la Facultad de Ciencias Sociales (UV) a finales de 2016, la tituló «Born to be Guilty». ¿Puede explicarnos por qué?

Born to be Guilty es un proyecto que forma parte de otro proyecto más global relacionado con lenguajes de poder. Dinamitando los lenguajes de poder es un proyecto que parte de las teorías que entienden el lenguaje como una de las principales tecnologías sobre las que se alza, se justifica se ejerce y se sostiene el poder. El proyecto tiene tres fases, la primera es un análisis del lenguaje de la física, la segunda del lenguaje de la medicina, y la tercera, de la que forma parte Born to be Guilty, tiene que ver con el lenguaje de la psiquiatría y analiza conceptos como locura (centrándose en la histeria) y todas las biopolíticas que se relacionan con este concepto.

A lo largo de la historia de occidente se han desarrollado diferentes arquetipos de mujer que sostienen y son fruto de determinada ideología: Eva, Pandora, María Magdalena, la Virgen María, Helena de Troya, Penélope, Artemisa, Diana, Lilith… Lo que tienen en común todos estos arquetipos es la unión de mujer, naturaleza y culpa. Todas son culpables por naturaleza, naturalmente culpables, nacidas de la culpa, por la culpa y para la culpa.

Augustine (la más emblemática de las pacientes de la Saltpêtrière, la cuna de la histeria) por las características de su enfermedad, su historia personal y sus cualidades personales, que hicieron de ella la “musa” de Charcot, representa, de alguna manera todos esos arquetipos a la vez, y encarna, mejor que ninguno, esa idea que identifica lo femenino con culpabilidad.

Born to be guilty es una serie de fotomontajes sobre papel baritado, combinando diferentes materiales y técnicas (doble exposición, fotogramas, cosido, transferencia, tipografia móvil, mapping…), e inspirado en el trabajo fotográfico de la Saltpêtrière y la relación entre la fotografía psiquiátrica y la judicial, que buscan cuestionar esa relación que se establece entre mujer, naturaleza y culpa.

Las referencias artísticas y teóricas que más directamente han influido en este trabajo son: los fotomontajes de la serie Sueños (1948-1951) de Grete Stern, algunas fotografías pertenecientes al trabajo Laudanum de Tracey Moffat, así como algunas imágenes de Buñuel en Un perro andaluz (1929) y de los expresionistas alemanes Murnau en Nosferatu (1922) y Robert Wiene en El gabinete del Doctor Caligari (1920) y los libros de Didi-Huberman La invención de la histeria: Charcot y la iconografía fotográfica de la Saltpêtrière y de Clarissa Pinkola Mujeres que corren con los lobos (1992/1995).

¿Diría que su producciones artísticas tienen perspectiva de género?

Me gusta mucho una frase de Esther Ferrer que dice algo así como “No soy una artista feminista, soy una mujer feminista”. Diría que mi vida en general tiene una perspectiva de género, y eso se refleja en mi producción artística. En el caso de Born to be guilty es muy claro, tal vez en otros trabajos, como el proyecto La Caída de la Gravedad, o Génesis, no lo sea tanto, pero siempre está presente, porque es uno de mis intereses principales, porque la producción artística nace de algo que nos afecta en lo cotidiano, y habrá pocas cosas más cotidianas que el género… si hasta para abrirte una cuenta de correo electrónico tienes que decir si eres hombre o mujer.

¿Quisiera hacernos algún tipo de consideración final ?

Pues, la verdad, que al final la pregunta más difícil es esta. Porque si hay algo complicado es despedirse, terminar algo, cerrarlo. Me parece muy interesante la labor que estáis realizando, me encanta poder formar parte de ella con esta pequeña colaboración y  espero que mis respuestas sirvan para abrir nuevas preguntas sobre estos temas o sobre otros.

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Amparo Zacarés

Coordinadora proyecto Imagin-Arte

Autor: Marcos Martínez

From the beggining of the new millenium. Headmaster of Hope's Peak Academy and "Imagin-Arte IES Baleares"'s web blog.

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